Mi punto de partida para este proyecto va a ser el mismo que elegí en proyectos I, y es mi casa. Es mi punto cero porque tengo mi estudio en ella, trabajo y vivo aqui y me costo un gran esfuerzo tanto encontrarla como adaptarla. Por otro lado la he utilizado en otros proyectos como en el de Taller de fotografía e imagen por sus características especiales, antes de vivir en ella era una asociación cultural abandonada y así seguía en la localización de google maps, por lo que me apropie de ella para hacer una «Expo» online. Pero a diferencia de esta entrega quiero que el proyecto se desarrolle fuera de la casa, en el espacio público, haciendo derivas a lo situacionista desde ella o utilizando su fachada para realizar algún tipo de intervención, aún no lo tengo claro, pero de manera literal y también simbólica me gustaría romper con la idea de público/privado y también cuestionar lo que se considera arte y lo que no.
Localización de GoogleFachada de la casa con grandes ventanales
Dándole una vuelta a todo esto he creado un Instagram que he llamado «Podría ser arte» en el que apropiándome de la idea del ready made, capturo objetos, bodegones o acciones que me recuerdan a alguna instalación/acción o situación relacionada con el arte contemporáneo.
He dividido el diagrama en 3 clasificaciones que me parecen fundamentales, los agentes, el contexto y los procesos.
En cuanto a los agentes hay humanos como pueden ser los artistas, los espectadores o los comisarios, no humanos e institucionales, como los museos o las fundaciones. Y también he incluido dentro de esta clasificación eventos relacionados con el arte como puede ser una feria de arte o una bienal. Estos elementos que parecen dispares entre sí por su naturaleza, están entrelazados inevitablemente y son necesarios para el funcionamiento de unos con los otros.
En el contexto he tenido en cuenta diferentes situaciones como puede ser un contexto político, artístico o local, esto también se relacionan el algunos casos con los agentes de una manera más directa como he indicado por medio de líneas, y por otro lado se deja afectar de una manera más global por lo que no he hecho ninguna indicación gráfica directa pero sí lo he incluido en el mapeo.
La última clasificación la de los procesos, la he dividido en procesos individuales, colectivos o de producción. Aunque según el texto de Howard S. Becker. los procesos individuales serían imposibles ya que como hemos leído es necesario toda una red de actores para que algo se ponga en funcionamiento, sea del tipo que sea, a nivel general el mito del artista o genio solitario sigue vigente, por eso también lo he relacionado con las marcas, como es el caso por ejemplo de la marca Picasso. Así que además de lo mal llamado proceso individual e incluido procesos colectivos u otros tipos de procesos económicos como las inversiones que ocupan un papel fundamental tanto en la sociedad actual como en el mundo del arte.A nivel gráfico he hecho una nube de «hashtags» y he diferenciado por colores siguiendo las 3 clasificaciones e interrelacionado los agentes, de una manera más bien caótica y aleatoria, ya que en un principio ordene relacionando cada uno con otro, por ejemplo empecé uniendo al artista con los espectadores para darme cuenta de que en el fondo estaban todos relacionados entre sí, ya que no podrían funcionar en el uno sin el otro, y para mi no podrían entenderse como un factor aislado relacionándose, entrelazándose y afectándose entre tod*s.
Ya que estamos adentrándonos en el segundo ciclo del grado y podemos saber un poco más de nuestros intereses quería poner sobre la mesa dudas que me están surgiendo acerca de la vocación, el trabajo, el dinero, el arte y la práctica artística.
Este verano también he estado leyendo dos libros de Remedios Zafra sobre el tema: «Frágiles» y el «Entusiasmo», que justo habla de la actual precariedad cultural y cómo esta afecta a lo que ella llama vidas-trabajo. Teniendo en cuenta esto y que mi psicólogo me ha recomendado que solo me dedique a hacer cosas que me hagan disfrutar o me den dinero, me pregunto:
¿Para qué hago lo que estoy haciendo, que es lo que tengo que demostrar y a quién?
¿Para qué estoy estudiando esta carrera con casi 39 años, tiene sentido?¿cuando podré terminarla si me matriculo en 2 o 3 asignaturas por semestre?
¿Habrá alguna salida después de terminar estos estudios o la única opción que tengo es seguir estudiando y por lo tanto seguir pagando por una formación que a corto plazo parece que no va a acabar nunca?
¿Cómo me puedo hacer un hueco en el panorama artístico actual? ¿Realmente es algo que me interesa con todo lo que esto conlleva (Tener que demostrar que vales constantemente, hacer una marca de tu propio trabajo, tener que asistir a todos los eventos que puedas relacionados con el arte, tener que vender tu trabajo a toda costa)?
¿Cómo me puedo dedicar al arte, o cómo conseguir un trabajo bien remunerado en un sector que está cada vez más precario y en el que parece que lo único que importa es hacer curriculum a cualquier precio?
¿En qué momento dejará de ser un hobbie para convertise en una profesión, cuando será suficiente?
¿Cómo puedo ganar dinero con los proyectos que hago si no son rentables, no tengo nada para vender, carecen de utilidad y es justo este pensamiento el que me hizo dejar de lado mi trabajo en diseño gráfico?
¿Cómo se puede recompensar todo el esfuerzo que hay que hacer más allá de conseguir una mención, formar parte de una exposición, que te den un par de cervezas gratis o conseguir unos cuantos likes?
Aunque a priori puede parecer un poco negativo, aqui sigo estudiando y pensando que quizá haya una salida, de todos modos me interesa abrir el debate y saber vuestra opinión. Un saludo a tod*s
Para esta entrega propongo realizar un comisariado experimental, un proyectoconjunto entre el museo y la universidad, en este caso la UOC y el Museo Reina Sofia, que además son los involucrados en la creación de este grado en Artes. La idea sería poner todo el contenido teórico que hemos ido viendo a lo largo del cuatrimestre en práctica y fuera de la Academia, darle voz. Entonces al igual que la asignatura la exposición contaría con una parte formativa en formato grupo de lectura/conferencias y un taller de producción en constante funcionamiento. La importancia de esta muestra reside en la idea de llevar el conocimiento académico a la calle y a la inversa, en crear un punto de encuentro físico y también virtual y dar voz al sujeto subaltern*, cuestionando las derivas de este concepto, revisándolo y reinventandolo.
Dando espacio y cabida al pensamiento crítico dentro y fuera, dando la oportunidad a la militancia y la acción directa situada y unificando la idea del trabajo individual y el colectivo. Aportando también de esta manera tanto dentro del museo como en sus márgenes, algún tipo de punto de encuentro,(obviamente no solo exclusivo al mundo de la cultura), y rompiendo los límitesentre espectador y creador.
Esta idea surge a raíz de lo que hemos aprendido durante la asignatura, la necesidad de romper los límites con la academía, contar la historia desde abajo y dar voz a aquellos que por su condición social no la tienen. Por otro lado también surge de la necesidad de reinventar otras formas de aprendizaje, militancia o activismo dentro del museo, al modo de los estudios independientes (PEI) del Macba, o en otros grupos de aprendizaje y producción como el del grupo de estudios radicales (PER) en Málaga.
Habría un espacio habilitado dentro del museo para la creación y escucha de las piezas sonoras, y por otro lado se ocuparían también la plaza de Juan Goytisolo, haciendo también que los asistentes/espectadores/gente de paso, formase parte de la muestra y además dando cabida a todas las voces y los trabajos realizados o por realizar. De esta manera se intenta romper con los límites del conocimiento centrados en la academía, teniendo a la vez en cuenta todo el conocimiento que se genera en esta, abriendo una puerta al pensamiento crítico y la producción.
Para esta exposición experimental, se mezclarían los trabajos de estudiantes, artistas profesionales o gente externa al mundo artístico, junto con las nuevas piezas creadas durante la duración de la muestra, que estaría en constante transformación. Haciendo una mezcla entre el formato presencial y en el virtual, y creando un archivo ilimitado pero de duración determinada (el tiempo que dure la exposición), para dar voz y fomentar el intercambio de información a modo de asamblea, tanto física como virtual.
Sería muy importante también hacer partícipe de esta acción a colectivos en riesgo, activistas y cualquier tipo de persona interesada, dando prioridad a aquellas que por su clase, raza, sexo o neurodivergencia, sufren mayor marginacion, poniendo en cuestión también la propia precariedad inherente de cada ser humano.
Estarían incluidas todas las voces en cualquier idioma de los participantes, dando prioridad a posiciones no masculinistas, y creando un espacio seguro dentro y fuera del museo, en el que artistas, psicólogos, sociólogos y voluntarios habilitarán las condiciones para que esas voces se puedan expresar de alguna manera, ya sea por medio escrito u oral, y luego por medio de lecturas, escritos de otr*s, canciones o incluso gritos o sonidos guturales. Además esto no se limitaría solo a los visitantes delmuseo, si no que por medio de una convocatoria abierta se podría enviar tu archivo de audio/nota de voz/canción para la muestra.
La forma de comisariar sería más bien haciendo una organización de tiempo y espacio expositivo, se puede decir que la “expo” está compuesta por dos partes, la parte de dentro y la de fuera, de lo privado y lo público.
Tanto dentro como fuera del museo se instalaría un estudio de grabación de sonido, por un lado se podría crear/grabar o decir algo en directo a modo de performance, y por otro se registraría todo esto, y se podría revisar lo grabado, cada asistente a la exposición tendría la opción de lanzar un audio, nota de voz o incluso canción desde la plaza a la entrada del museo y viceversa. Este archivo se podría escuchar tanto en el interior como el exterior del museo, en una instalación sonora, un mix en constante mezcla, que se escucharia con bastante ruido en la distancia, pero que se entendería acercándote a cada uno de los dispositivos individuales. Se instalarían xx altavoces teniendo en cuenta la sala, sus puntos y recovecos. Se haría una lectura a modo de intercambio de los textos en los que ninguno de los autores leería el suyo, narrándolos cada uno de los participantes de forma anónima.
Cada un* leería el trabajo de otr*, se pondría en su lugar y tomaría su voz. Con esta exposición pretendo dar visibilidad a otra formas expositivasfuera del aparto museístico, ocupar/recuperar la plaza a modo 15m, dar espacio a la asamble, y ocupar el espacio publíco, por lo que también sería indispensable el streaming del evento, su archivo y registro, y su posteríor publicación tanto impresa como en internet.
Esta idea que parece irrealizable o utópica, en la que la compresión, visionado o lectura de todos los textos sería casí imposible, pone en cuestión la idea de dar voz al subjeto subalterno y nos plantea si realmente es que este puede hablar, podemos desde nuestra posición organizarnos para que se haga o es inevitable caer en las dinámicas de poder que vivimos a diario.
Una especie de muestra esquizoide en el que una multitud de voces se unen para realizar un grito en conjunto, que no se entiende, ni se escucha pero que está ahí presente, resonando en cada una de los participantes de la muestra, también en la institución y en la calle. Un tipo de exposición / happening / performance que va más allá de los límites del museo, de lo razonable o comprensible, pero a pesar de ello totalmente realizable.
Debido a la temática de lo subalterno, su dificultad ahora de definirlo y la dificultades de darle voz de una manera lícita, y después de ver los trabajos de mis compañer*s decídí no hacer ningúna selección específica y abrir la “convocatoria”,de manera que se rompan los límites entre artistas/creadores/comisarios, haciendo estos a la vez la función de dinamizadores de la muestra, de creador y espectador, cuestionando los límites del artista y espectador.
El estudio de grabación y escucha se puede adaptar tanto para un presupuesto muy ajustado como para grandes sumas de dinero, dependiendo del espacio en el que se realicé la Expo / Performance / Happening / Archivo. Se podría contar con artistas que han trabajado con instalaciones sonoras para la muestra, al igual que también se podrían instalar pequeños dispositivos individuales como cascos o streaming a través del propio móvil, o algo más analógico como en algunos parques publícos para el habla y la escucha.
Se habilitaría un espacio tanto en la plaza como en el interior del museo para la producción y escucha de obra, también para el archivo y el registro de esta.
Mapa del espacio/espacios
Debido a lo multiforme de la muestra, está se podría adaptar a diferentes espacios e instuciones tanto pública como privada. En estas dos fotografías vemos el exterior del museo, y por otro lado una instalación sonora en el interior.
Plaza Juan Goytisolo, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Foto de Expedía
Foto: Rodrigo Jiménez, Disonata. Arte en sonido hasta
Para esta última entrega de la asignatura Crítica de Arte, teníamos que preparar un monumento para conmemorar el 12 de Octubre.
Dado lo peliagudo del tema pensando en que tipo de monumento se podría hacer en una ciudad como Málaga, convertida hoy en día casí en un centro comercial gigante, y en el qué se conmemora y glorifica aún las conquistas y reconquistas del reino Español, como en muchas otras ciudades, he llegado a la conclusión de que en el caso de que se me pidiera proyectar algún tipo de monumento, haría la simbiosis de artista/comisari*/investigad*r y daría oportunidad de tener voz a colectivos excluidos o gente que trabaja con este tipo de colectivos realizando instalaciones y actividades en la ciudad.
Sería un “monumento” en constante evolución, de duración de un año (12 meses y 12 proyectos) que de alguna manera se transformara y diese lugar al pensamiento crítico y también sirviese tanto como de sanación por las heridas, como de memoria histórica y educación para los que habitamos la ciudad de forma temporal o permanente. Una intervención directa en la ciudad en el que el nombre sería lo único que se mantuviese fijo “Monumento al 12 de Octubre”
Teniendo en cuenta la permeabilidad del proceso, lo más importante de este “monumento” sería su registro por medio de fotografías o video, publicaciones y también online.
Lo importante de este proyecto monumento para la ciudad, sería el de crear un punto de encuentro en la ciudad, también en internet, dar voz y formar una especie de plaza para la discusión el pensamiento crítico y la relectura de la historia.
Pública 
Este es un espacio de trabajo personal de un/a estudiante de la Universitat Oberta de Catalunya. Cualquier contenido publicado en este espacio es responsabilidad de su autor/a.